Seven Ages Of Rock es una serie de la BBC, coproducida por la BBC Worldwide y VH1 Classics, sobre la historia de la música rock.
Tuvo siete episodios de sesenta minutos, reducidos a 48 para el VH1 Classics, con un último episodio de 90 minutos. Se emitía los sábados a las 21:00 (con una repetición en la BBC One los domingos). Cada episodio se centró en un tipo de música rock, cada uno caracterizado por algunos artistas o bandas. El productor de la serie fue William Naylor, y el productor ejecutivo, Michael Poole]], ex editor del programa de la BBC The Late Show. La producción se basa en la BBC Bristol, y cada uno de los episodios fue narrado por Julian Rhind-Tutt en la BBC, y por Dennis Hopper en VH1 Classics.
a serie hace uso intensivo de material de archivo. Las primeras actuaciones de los músicos son intercaladas con entrevistas con otros artistas. Naylor tenía a su disposición entrevistas de otros reportajes de la BBC, tal es el caso de David Bowie, que no estaba disponible para grabar el documental. En una entrevista acerca de la serie, Naylor dice que se había dado cuenta que había llegado el momento para un renacimiento del rock, porque ve la creciente popularidad de la música un poco incómoda y un poco arrogante, y aclara que es eso precisamente lo que el rock necesita. Incluso se afirma que la música rock nació allí en Londres, el 24 de septiembre de 1966, cuando Jimi Hendrix fue a tocar allí.
EPISODIOS
El Nacimiento Del Rock (My Generation)
En la década de 1960, la música de los adolescentes era dulce y sin alma, interpretada por artistas comerciales como Bobby Vintton y Bobby Vee. La música de cantantes de blues como John Lee Hooker, Muddy Waters y Howlin' Wolf era poderosa y rebelde, y había salido de la lucha de una forma habla a la clase obrera británica, cosa que no se interpretó en la América blanca.
En 1962 se forman The Rolling Stones y empiezan a tocar en el club Crawdaddy en Richmond. El blues con un toque británico resultó ser un éxito entre los adolescentes. Su espacio en el club Crawdaddy fue tomado por The Yardbirds, que trató de producir su propio sonido en el blues de la mano de su guitarrista Eric Clapton, considerado un Dios por algunos. Sin embargo se separó de The Yardbirds luego del éxito comercial, para convertirse en un músico de Blues en serio. The Rolling Stones comenzaron a escribir sus propias canciones, cargadas de arrogancia y sexo.
Una nueva ola de bandas fue surgiendo en ese momento. The Kinks produjo un sonido áspero electrificado que sirvió para ampliar sus posibilidades musicales. Inspirados en ellos, The Who muestra una imagen compuesta de pop Art y rock rápido. En 1965, considerado el año cero del rock, The Who publica una canción que define la época, My Generation, considerada increíblemente innovadora, tanto por su sonido como por su mensaje rebelde. The Animals había abierto el camino a estas bandas con el regrabado de the House of Rising Sun, cuando apareció, luego de que Bob Dylan hiciera un cover de la canción desde la escena folk de Nueva York. Él se inspiró en estas nuevas bandas, tomando un sonido eléctrico con the Wild Thin Mercury sound of Rock Music, que añade sofisticadas letras al rock.
De regreso en Gran Bretaña, Eric Clapton encuentra la libertad creativa en su propio grupo Cream, y eran mucho mas calificados musicalmente que otros grupos del momento. Tomaron el lenguaje y el estilo de los blues que poseían interminables solos de guitarra. Su segundo álbum Disraeli Gears combinó el blues y la psicodelia llena de drogas, lo que muestra el potencial artístico del rock.
Cuando The Who tocó en el festival de Monterrey, innovaron por la actuación en directo de la canalización de la agresión, tocando a alto volumen y destruyendo sus instrumentos. Esto estableció al festival como centro del rock y marcó el final de la inocencia que había traído el verano del amor.
La gente estaba preocupada a causa de la guerra de Vietnam y el malestar social iba en aumento, por lo que después del Festival de Woodstock, el negocio empezó a descender. Este nuevo estado de ánimo se canalizó por The Rolling Stones utilizando esa oscuridad como nuevo celo creativo. Sin embargo, se hundieron en su propia oscuridad con la muerte de Brian Jones y el caos del festival de Altamont, donde la inocencia de los sesenta finalmente murió.
Origen del Título: Canción de The Who, del álbum The Who Sings My Generation.
En 1962 se forman The Rolling Stones y empiezan a tocar en el club Crawdaddy en Richmond. El blues con un toque británico resultó ser un éxito entre los adolescentes. Su espacio en el club Crawdaddy fue tomado por The Yardbirds, que trató de producir su propio sonido en el blues de la mano de su guitarrista Eric Clapton, considerado un Dios por algunos. Sin embargo se separó de The Yardbirds luego del éxito comercial, para convertirse en un músico de Blues en serio. The Rolling Stones comenzaron a escribir sus propias canciones, cargadas de arrogancia y sexo.
Una nueva ola de bandas fue surgiendo en ese momento. The Kinks produjo un sonido áspero electrificado que sirvió para ampliar sus posibilidades musicales. Inspirados en ellos, The Who muestra una imagen compuesta de pop Art y rock rápido. En 1965, considerado el año cero del rock, The Who publica una canción que define la época, My Generation, considerada increíblemente innovadora, tanto por su sonido como por su mensaje rebelde. The Animals había abierto el camino a estas bandas con el regrabado de the House of Rising Sun, cuando apareció, luego de que Bob Dylan hiciera un cover de la canción desde la escena folk de Nueva York. Él se inspiró en estas nuevas bandas, tomando un sonido eléctrico con the Wild Thin Mercury sound of Rock Music, que añade sofisticadas letras al rock.
De regreso en Gran Bretaña, Eric Clapton encuentra la libertad creativa en su propio grupo Cream, y eran mucho mas calificados musicalmente que otros grupos del momento. Tomaron el lenguaje y el estilo de los blues que poseían interminables solos de guitarra. Su segundo álbum Disraeli Gears combinó el blues y la psicodelia llena de drogas, lo que muestra el potencial artístico del rock.
Cuando The Who tocó en el festival de Monterrey, innovaron por la actuación en directo de la canalización de la agresión, tocando a alto volumen y destruyendo sus instrumentos. Esto estableció al festival como centro del rock y marcó el final de la inocencia que había traído el verano del amor.
La gente estaba preocupada a causa de la guerra de Vietnam y el malestar social iba en aumento, por lo que después del Festival de Woodstock, el negocio empezó a descender. Este nuevo estado de ánimo se canalizó por The Rolling Stones utilizando esa oscuridad como nuevo celo creativo. Sin embargo, se hundieron en su propia oscuridad con la muerte de Brian Jones y el caos del festival de Altamont, donde la inocencia de los sesenta finalmente murió.
Origen del Título: Canción de The Who, del álbum The Who Sings My Generation.
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Art Rock (White Light, White Heat)
En 1967, Pink Floyd publica la canción Arnold Layne, cuya historia habla del robo de ropa a un travesti. Esto introduce un nuevo concepto a la música pop, la psicodelia. Eso mismo hizo Andy Warhol en EE.UU. con The Velvet Underground; convertir sus presentaciones en vivo en espectáculos multimedia. Warhol tuvo la idea de proyectar películas sobre el fondo del escenario. El artista Peter Jenner hizo con Pink Floyd lo que Warhol había hecho con The Velvet Underground, ilustrando las canciones que estos componían, y luego proyectándolas detrás de la banda; lo que efectivamente fueron los primeros clips de música en la pantalla grande. Los shows eran cada vez mas extraños, pero otros músicos siguieron la idea. David Bowie se inspiró en la rareza de The Velvet Underground y en la locura de Syd Barrett, miembro de Pink Floyd (como lo demuestra en Jugband Blues). Bowie creó un alter ego llamado Ziggy Stardust, lo cual le dio una excusa para vestirse en el escenario. Peter Gabriel, de Genesis, hizo algo parecido a lo de Bowie, solo que salió a escena vestido de zorro, sin que siquiera el resto de la banda supiera lo que iba a hacer. “Comparado con lo que llevaba Gabriel en el escenario, la ropa de Bowie parecía para una noche en el pub”.
Otra cosa nueva en la música era que se estaba experimentando con los sonidos. Roxy Music presentó un oboe al rock. Pink Floyd se preguntaba como sonaría un piano a través de un altavoz Leslie, lo que resultó en la introducción de Echoes, una pieza que duraba toda la cara B del álbum Meddle.
En el escenario, las canciones también podían durar mucho más que en los discos. Como los espectáculos eran cada vez más grandes y multitudinarios, Pink Floyd se sentía cada vez más alejado de la audiencia, y en señal de ‘protesta’, colocaron en el escenario, ente ellos y el público, un gran muro que simulaba ser de enormes ladrillos, y usaban grandes títeres, durante la interpretación del disco The Wall. La interactuación con el público así, era casi nula. Ese gran montaje solo pudo realizarse cuatro veces en vivo, pero marco el fin de otra edad del rock.
En este episodio, las canciones de The Velvet Underground que aparecen no son las mismas que están en la página Web de la BBC. Venus In Furs se sustituye por All Tomorrow’s Parties.
Origen del Título: Canción de The Velvet Underground, del álbum White Light/White Heat
En 1967, Pink Floyd publica la canción Arnold Layne, cuya historia habla del robo de ropa a un travesti. Esto introduce un nuevo concepto a la música pop, la psicodelia. Eso mismo hizo Andy Warhol en EE.UU. con The Velvet Underground; convertir sus presentaciones en vivo en espectáculos multimedia. Warhol tuvo la idea de proyectar películas sobre el fondo del escenario. El artista Peter Jenner hizo con Pink Floyd lo que Warhol había hecho con The Velvet Underground, ilustrando las canciones que estos componían, y luego proyectándolas detrás de la banda; lo que efectivamente fueron los primeros clips de música en la pantalla grande. Los shows eran cada vez mas extraños, pero otros músicos siguieron la idea. David Bowie se inspiró en la rareza de The Velvet Underground y en la locura de Syd Barrett, miembro de Pink Floyd (como lo demuestra en Jugband Blues). Bowie creó un alter ego llamado Ziggy Stardust, lo cual le dio una excusa para vestirse en el escenario. Peter Gabriel, de Genesis, hizo algo parecido a lo de Bowie, solo que salió a escena vestido de zorro, sin que siquiera el resto de la banda supiera lo que iba a hacer. “Comparado con lo que llevaba Gabriel en el escenario, la ropa de Bowie parecía para una noche en el pub”.
Otra cosa nueva en la música era que se estaba experimentando con los sonidos. Roxy Music presentó un oboe al rock. Pink Floyd se preguntaba como sonaría un piano a través de un altavoz Leslie, lo que resultó en la introducción de Echoes, una pieza que duraba toda la cara B del álbum Meddle.
En el escenario, las canciones también podían durar mucho más que en los discos. Como los espectáculos eran cada vez más grandes y multitudinarios, Pink Floyd se sentía cada vez más alejado de la audiencia, y en señal de ‘protesta’, colocaron en el escenario, ente ellos y el público, un gran muro que simulaba ser de enormes ladrillos, y usaban grandes títeres, durante la interpretación del disco The Wall. La interactuación con el público así, era casi nula. Ese gran montaje solo pudo realizarse cuatro veces en vivo, pero marco el fin de otra edad del rock.
En este episodio, las canciones de The Velvet Underground que aparecen no son las mismas que están en la página Web de la BBC. Venus In Furs se sustituye por All Tomorrow’s Parties.
Origen del Título: Canción de The Velvet Underground, del álbum White Light/White Heat
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Punk Rock (Blank Generation)
En 1975, la ciudad de Nueva York estaba cerca de la quiebra, no había diversión. Londres fue un poco mejor. En esta historia de dos ciudades, desde el peor de los tiempos llegó el mejor de los tiempos: el Punk Rock regresó a las raíces. La gente veía un espectáculo del cual obtenía la idea de que podrían hacerlo ellos mismos, y de eso se trata el Rock & Roll. El movimiento punk fue bricolage; se inventaron bandas y la ropa que usaban. The Ramones cantaba acerca de la vida de la calle de los niños de Queens. Sex Pistols empezaron cantando clásicos covers mod de The Who, pero pronto transformaron al clásico estilo que marcó la época.
El Punk fue la rabia de la clase “los punks de Nueva York eran bohemios o aspiraban a serlo, y todos los punks de Londres eran yobs o aspiraban a serlo” Según el Sex Pistols Johnny Rotten, eso no era indignante “sufrimos, y eso puede joderte”.
El Punk era hacer cosas nuevas, y así lo hicieron bandas de chicas como Siouxsie & the Banshees, abrieron nuevos caminos. Viv Albertine dijo: “queríamos hacer cosas nuevas, y el punk fue lo suficientemente abierto para dejarnos hacerlas”. Patti Smith no sólo lo hizo sobre la música, sino también sobre el lenguaje, casi como un estilo libre rapero “escupir sobre algo que va bien en tu cabeza”.
Cuando the Sex Pistols fueron a Nueva York querían mostrar lo realmente punk que eran, pero eso los destruyó. No se divertían, por lo que decidieron tomar el extremo de que en su último show en San Francisco, en 1978, presentado en su estridencia normal, cierran con una canción de The Stooges, ‘No Fun’. Antes de salir del escenario, Jhonny Rotten dice: “¿alguna vez tuvieron la impresión de que han sido engañados?”. Rotten más tarde agregó: “ese comentario fue dirigido a todo el mundo, incluidos nosotros.
Las canciones que aparecen varían con las de la página Web de la BBC. Esto incluye la apertura del episodio con ‘No Fun’, de The Stooges (interpretada por the Sex Pistols), The Buzzckocs también tocaron ‘Boredom and Ever Fallen in Love’, The Slits solo aparecen con la canción Typical Girls, en lugar de las tres que figuran en la página; Public Image Ltd figuran con Poptones.
Origen Del Título: Canción de Richard Hell and the Voidoids, del álbum Blank Generation.
En 1975, la ciudad de Nueva York estaba cerca de la quiebra, no había diversión. Londres fue un poco mejor. En esta historia de dos ciudades, desde el peor de los tiempos llegó el mejor de los tiempos: el Punk Rock regresó a las raíces. La gente veía un espectáculo del cual obtenía la idea de que podrían hacerlo ellos mismos, y de eso se trata el Rock & Roll. El movimiento punk fue bricolage; se inventaron bandas y la ropa que usaban. The Ramones cantaba acerca de la vida de la calle de los niños de Queens. Sex Pistols empezaron cantando clásicos covers mod de The Who, pero pronto transformaron al clásico estilo que marcó la época.
El Punk fue la rabia de la clase “los punks de Nueva York eran bohemios o aspiraban a serlo, y todos los punks de Londres eran yobs o aspiraban a serlo” Según el Sex Pistols Johnny Rotten, eso no era indignante “sufrimos, y eso puede joderte”.
El Punk era hacer cosas nuevas, y así lo hicieron bandas de chicas como Siouxsie & the Banshees, abrieron nuevos caminos. Viv Albertine dijo: “queríamos hacer cosas nuevas, y el punk fue lo suficientemente abierto para dejarnos hacerlas”. Patti Smith no sólo lo hizo sobre la música, sino también sobre el lenguaje, casi como un estilo libre rapero “escupir sobre algo que va bien en tu cabeza”.
Cuando the Sex Pistols fueron a Nueva York querían mostrar lo realmente punk que eran, pero eso los destruyó. No se divertían, por lo que decidieron tomar el extremo de que en su último show en San Francisco, en 1978, presentado en su estridencia normal, cierran con una canción de The Stooges, ‘No Fun’. Antes de salir del escenario, Jhonny Rotten dice: “¿alguna vez tuvieron la impresión de que han sido engañados?”. Rotten más tarde agregó: “ese comentario fue dirigido a todo el mundo, incluidos nosotros.
Las canciones que aparecen varían con las de la página Web de la BBC. Esto incluye la apertura del episodio con ‘No Fun’, de The Stooges (interpretada por the Sex Pistols), The Buzzckocs también tocaron ‘Boredom and Ever Fallen in Love’, The Slits solo aparecen con la canción Typical Girls, en lugar de las tres que figuran en la página; Public Image Ltd figuran con Poptones.
Origen Del Título: Canción de Richard Hell and the Voidoids, del álbum Blank Generation.
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Heavy Metal (Never Say Die)
El Heavy Metal es la música que los críticos aman odiar, y la que más se mantuvo vigente desde los pilares del rock. Más que cualquier otra banda del momento, Black Sabbath fue fuertemente influenciada por su entorno, los parques industriales de Birmingham. Sobre todo para su guitarrista Tony Iommi, al cual una máquina le cortó las puntas de dos de sus dedos. El trato de resolver el problema fusionando líquido para lavar botellas, y formando dos “dedales” para sus dedos; y se encontró que por la sintonía de su guitarra de tres tonos (en #C), podía tocar igual de fácil, consiguiendo un sonido diferente, más oscuro (aunque esto no se implementó hasta su tercer disco). Otra fuente de inspiración para la banda fue ver las colas del cine para ver películas de terror. Sabbath pensó que si la gente deseaba pagar dinero para tener miedo, entonces ellos debían hacer música que de miedo.
En 1971, cuando Deep Purple fue a grabar a Montreaux su álbum Machine Head, hasta ellos se asustaron por un terrible incendio en el casino cuando “algún idiota tiro una bengala que incendió el lugar hasta los cimientos” durante un concierto de Frank Zappa and The Mothers of Invention. El estudio de grabación se encontraba en el hotel incendiado, por lo que la banda decidió continuar allí. En el último día, necesitaban una canción más para grabar, y decidieron simplemente contar la historia del incendio, de cómo veían el humo sobre el lago Ginebra. Eso se convirtió en la letra de Smoke on the Water.
Fueron Judas Priest los que introdujeron el tocar con dos guitarras a la vez. Fue cuando en 1976 el Punk todavía dominaba la escena del rock, que se empezaron a usar el la ropa el cuero y las tachas; lo que inspiraba un estilo muy masculino, a pesar de la homosexualidad del cantante Rob Halford, que dicen que aún no había “salido del armario” en ese entonces. Priest fueron recompensados a pesar de haber caído en la década del ’70. Pero unos años más tarde, una nueva ola de Heavy Metal británico fue encabezada por Iron Maiden. En EE.UU. surgió un nuevo giro con Glam Rock, con esponjoso spray para el pelo inspirado en la mirada puesta en Hollywood y dado a conocer por Mötley Crue. El ex Sabbath Ozzy Osbourne hizo la vuelta más inesperada del rock, a pesar de sus “actividades recreativas” (que incluían cocaína y alcohol en grandes cantidades).
A finales de la década del ’80, el metal se había vuelto demasiado comercial para algunos, y bandas como W.A.S.P., Hanoi Rocks y Poison tuvieron gran éxito. Influenciado por la nueva ola de Heavy Metal británico, el metal consiguió un nuevo gran sucesor: el trash metal, un estilo que va más allá en muchos aspectos; era más rápido y pesado que lo que se oía en ese entonces. Pero tocar la guitarra cada vez más rápido y más fuerte había llegado a un techo en el umbral de la década, y Metallica, uno de los inventores del trash, decidió cambiar la situación y adoptar un sonido pesado y lento. El resultado fue The Black Album, que llegó a vender más de 15 millones de copias, y demostró que el metal nunca, pero nunca pasa de moda.
Origen del Título: Canción de Black Sabbath, del álbum Never Say Die! (el último en el que participó Ozzy Osbourne)
El Heavy Metal es la música que los críticos aman odiar, y la que más se mantuvo vigente desde los pilares del rock. Más que cualquier otra banda del momento, Black Sabbath fue fuertemente influenciada por su entorno, los parques industriales de Birmingham. Sobre todo para su guitarrista Tony Iommi, al cual una máquina le cortó las puntas de dos de sus dedos. El trato de resolver el problema fusionando líquido para lavar botellas, y formando dos “dedales” para sus dedos; y se encontró que por la sintonía de su guitarra de tres tonos (en #C), podía tocar igual de fácil, consiguiendo un sonido diferente, más oscuro (aunque esto no se implementó hasta su tercer disco). Otra fuente de inspiración para la banda fue ver las colas del cine para ver películas de terror. Sabbath pensó que si la gente deseaba pagar dinero para tener miedo, entonces ellos debían hacer música que de miedo.
En 1971, cuando Deep Purple fue a grabar a Montreaux su álbum Machine Head, hasta ellos se asustaron por un terrible incendio en el casino cuando “algún idiota tiro una bengala que incendió el lugar hasta los cimientos” durante un concierto de Frank Zappa and The Mothers of Invention. El estudio de grabación se encontraba en el hotel incendiado, por lo que la banda decidió continuar allí. En el último día, necesitaban una canción más para grabar, y decidieron simplemente contar la historia del incendio, de cómo veían el humo sobre el lago Ginebra. Eso se convirtió en la letra de Smoke on the Water.
Fueron Judas Priest los que introdujeron el tocar con dos guitarras a la vez. Fue cuando en 1976 el Punk todavía dominaba la escena del rock, que se empezaron a usar el la ropa el cuero y las tachas; lo que inspiraba un estilo muy masculino, a pesar de la homosexualidad del cantante Rob Halford, que dicen que aún no había “salido del armario” en ese entonces. Priest fueron recompensados a pesar de haber caído en la década del ’70. Pero unos años más tarde, una nueva ola de Heavy Metal británico fue encabezada por Iron Maiden. En EE.UU. surgió un nuevo giro con Glam Rock, con esponjoso spray para el pelo inspirado en la mirada puesta en Hollywood y dado a conocer por Mötley Crue. El ex Sabbath Ozzy Osbourne hizo la vuelta más inesperada del rock, a pesar de sus “actividades recreativas” (que incluían cocaína y alcohol en grandes cantidades).
A finales de la década del ’80, el metal se había vuelto demasiado comercial para algunos, y bandas como W.A.S.P., Hanoi Rocks y Poison tuvieron gran éxito. Influenciado por la nueva ola de Heavy Metal británico, el metal consiguió un nuevo gran sucesor: el trash metal, un estilo que va más allá en muchos aspectos; era más rápido y pesado que lo que se oía en ese entonces. Pero tocar la guitarra cada vez más rápido y más fuerte había llegado a un techo en el umbral de la década, y Metallica, uno de los inventores del trash, decidió cambiar la situación y adoptar un sonido pesado y lento. El resultado fue The Black Album, que llegó a vender más de 15 millones de copias, y demostró que el metal nunca, pero nunca pasa de moda.
Origen del Título: Canción de Black Sabbath, del álbum Never Say Die! (el último en el que participó Ozzy Osbourne)
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Rock De Estadio (We Are The Champions)
Led Zeppelin fue una de las primeras bandas de Rock de estadio, llegando a tocar ante 50.000 personas. Se les podría dejar el 90% del crédito a su excelente música y el otro 10% a las promociones de los shows. Queen tomó esa jugada y la mejoró llenando estadios en los que cabían 130.000 personas y más. Esto se debía en gran parte a la puesta en escena que hacían, de la cual el principal protagonista era el vocalista Freddie Mercury. En los EE.UU., Kiss dejaba su música en segundo plano, y llenaban estadios de gente principalmente interesada en ver su actuación, lo que hacía que los críticos musicales los odiasen. Otra fuente de ganancias de Kiss era toda la mercancía que vendía, por ejemplo, muñecos de ellos mismos, que compraban niños que no sabían nada de rock. Eso producía 50 millones de dólares al año.
También en Estados Unidos, Bruce Springsteen se convirtió en uno de los íconos del rock de estadio, prácticamente contra su voluntad. Mientras pudo, se mantuvo tocando en clubes y lugares pequeños, cuando podría perfectamente haber estado llenando estadios. Pero, irónicamente, esa actitud de perfil bajo fue precisamente lo que lo hizo grande.
Cuando The Police tuvo éxito en Inglaterra, invirtieron sus ahorros en una gira por EE.UU., donde por un tiempo fueron la banda suceso. También innovaron yendo a países que otras bandas nunca habían visitado, como Egipto. Queen hizo algo similar en Sudamérica, adonde fueron sin creer que podrían llenar estadios como hacían en Norteamérica y Europa, pero así lo hicieron, llenando grandes estadios de fútbol. Y en Japón, fueron recibidos como a The Beatles. La coronación de todo esto fue el Live Aid, del cual su organizador Bob Geldof dijo “la lengua franca del mundo no es el inglés, es el Rock and Roll”.
U2 fue la última gran banda que surgió de la era del rock de estadio. De la mano de la banda, el espectáculo Zoo TV llevó la televisión al escenario. También introdujeron lo que se llama B Stage, es decir, rodearse de audiencia y tocar en el medio del estadio, lo cual contribuyó a la gradual separación de los artistas y el público en vivo.
Origen del Título: Canción de Queen, del álbum News of the World
Led Zeppelin fue una de las primeras bandas de Rock de estadio, llegando a tocar ante 50.000 personas. Se les podría dejar el 90% del crédito a su excelente música y el otro 10% a las promociones de los shows. Queen tomó esa jugada y la mejoró llenando estadios en los que cabían 130.000 personas y más. Esto se debía en gran parte a la puesta en escena que hacían, de la cual el principal protagonista era el vocalista Freddie Mercury. En los EE.UU., Kiss dejaba su música en segundo plano, y llenaban estadios de gente principalmente interesada en ver su actuación, lo que hacía que los críticos musicales los odiasen. Otra fuente de ganancias de Kiss era toda la mercancía que vendía, por ejemplo, muñecos de ellos mismos, que compraban niños que no sabían nada de rock. Eso producía 50 millones de dólares al año.
También en Estados Unidos, Bruce Springsteen se convirtió en uno de los íconos del rock de estadio, prácticamente contra su voluntad. Mientras pudo, se mantuvo tocando en clubes y lugares pequeños, cuando podría perfectamente haber estado llenando estadios. Pero, irónicamente, esa actitud de perfil bajo fue precisamente lo que lo hizo grande.
Cuando The Police tuvo éxito en Inglaterra, invirtieron sus ahorros en una gira por EE.UU., donde por un tiempo fueron la banda suceso. También innovaron yendo a países que otras bandas nunca habían visitado, como Egipto. Queen hizo algo similar en Sudamérica, adonde fueron sin creer que podrían llenar estadios como hacían en Norteamérica y Europa, pero así lo hicieron, llenando grandes estadios de fútbol. Y en Japón, fueron recibidos como a The Beatles. La coronación de todo esto fue el Live Aid, del cual su organizador Bob Geldof dijo “la lengua franca del mundo no es el inglés, es el Rock and Roll”.
U2 fue la última gran banda que surgió de la era del rock de estadio. De la mano de la banda, el espectáculo Zoo TV llevó la televisión al escenario. También introdujeron lo que se llama B Stage, es decir, rodearse de audiencia y tocar en el medio del estadio, lo cual contribuyó a la gradual separación de los artistas y el público en vivo.
Origen del Título: Canción de Queen, del álbum News of the World
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Rock Alternativo (A La Izquierda Del Dial)
Seattle, Washington, Estados Unidos. A principios de la década del ’90 era la capital musical del mundo. El hogar del Grunge, el “teen spirit” (espíritu adolescente), y de Nirvana, los reyes del rock alternativo. Nirvana, la banda que llevó el sonido under de América a las masas. El rock alternativo era la banda sonora de la vida de la Generación X, de los que no podían identificarse con el rock de estudio comercial que se escuchaba en la radio y pasaban en MTV.
Nirvana, inicialmente formado por Kurt Cobain y Krist Novoselic; formaban parte de esta generación y habían estado influenciados por Black Flag, que desempeñaban un estilo musical cercano al hardcore. El Rock alternativo de 1980 era llamado “la universidad del rock”, porque las radios donde se escuchaban eran transmitidas por universitarios desde los campus; emitían desde la parte baja de la frecuencia, que no aparece en los diales de las radios, de modo que quienes querían escucharlos debían ir “a la izquierda del dial”. Quienes tocaban no tenían otra opción que hacerlo en lugares pequeños, y estar de gira constantemente, por lo general en camionetas con las que recorrían el país. Son ejemplo de esto bandas como Sonic Youth y The Replacements.
Unos de los considerados fundadores del rock alternativo, REM, habían estado de gira desde el 5 de abril de 1980 hasta finales de 1989, sin parar. Al acabar, el guitarrista Peter Buck deja su guitarra, diciendo que se había cansado de ella, y comienza a tocar la mandolina para la canción Losing My Religion, que les dio fama mundial.
A Nirvana le ocurrió algo parecido, con la canción de Cobain About a Girl. No estaba seguro de querer incluirla en el álbum, porque le sonaba muy pop. Otra inspiración para su nuevo sonido fue el hecho de que dedicaban media hora al iniciar sus ensayos a improvisar la música, en el que experimentaron el contraste entre música suave y fuerte, guitarras duras y armonías. Eso le agrado a Cobain, decía que sonaban a una mezcla de Black Sabbath y The Beatles. Nirvana había creado un sonido que mezcla la furia del grunge con una nueva idea de la melodía y el atractivo comercial de la masa REM, lo que lleva a lo que se convertiría en himno del rock alternativo, "Smells Like Teen Spirit". Hubo algunas reservas acerca de la canción, porque sonaba parecida a un riff de The Pixies, una banda que venía desempeñando exactamente esa dinámica combinación de fuerte y suave. Gracias al éxito de Nirvana, REM y Mudhoney, el rock alternativo registró montones de empresas que se agenciaron el suceso de bandas como Soundgarden, Smashing Pumpkins, Alice in Chains y Pearl Jam.
Nirvana ubicó a Seattle en el mapa, por lo que REM (procedentes de Atlanta), allí fueron. Incluso se habló de que las bandas realizaran algún trabajo juntas, pero Cobain impidió que el proyecto madurara. Admiraba a REM, porque había logrado llegar adonde estaba sin compromiso, pero ahora el se había convertido en parte de la maquinaria comercial que despreciaba. Aún después de haberse vuelto rico, compraba su ropa en tiendas del ejército de salvación. Los fans sabían esto, y lo esperaban en las tiendas para así imitar la ropa que compraba y usaba.
Algunas personas pueden manejar este tipo de atención, y otras no pueden. Kurt no podía. Bromeaba acerca del nombre de su nuevo disco, diciendo que le gustaría ponerle “me odio y quiero morir” (refiriéndose a In Utero). Cinco meses después del famoso Nirvana MTV Unplugged, en abril de 1994, Kurt Cobain se suicidó de un tiro en la cabeza. En su nota de suicidio se podían leer las palabras de Neil Young: “es mejor incendiarse a consumirse lentamente”. El CD encontrado en su equipo de música, el último que había escuchado, fue Automatic for the People, el último que había salido de REM. La muerte del que había sido el mayor representante del rock alternatico marcó el fin de otra edad del rock.
Origen del Título:Canción de The Replacements, del álbum Tim.
Seattle, Washington, Estados Unidos. A principios de la década del ’90 era la capital musical del mundo. El hogar del Grunge, el “teen spirit” (espíritu adolescente), y de Nirvana, los reyes del rock alternativo. Nirvana, la banda que llevó el sonido under de América a las masas. El rock alternativo era la banda sonora de la vida de la Generación X, de los que no podían identificarse con el rock de estudio comercial que se escuchaba en la radio y pasaban en MTV.
Nirvana, inicialmente formado por Kurt Cobain y Krist Novoselic; formaban parte de esta generación y habían estado influenciados por Black Flag, que desempeñaban un estilo musical cercano al hardcore. El Rock alternativo de 1980 era llamado “la universidad del rock”, porque las radios donde se escuchaban eran transmitidas por universitarios desde los campus; emitían desde la parte baja de la frecuencia, que no aparece en los diales de las radios, de modo que quienes querían escucharlos debían ir “a la izquierda del dial”. Quienes tocaban no tenían otra opción que hacerlo en lugares pequeños, y estar de gira constantemente, por lo general en camionetas con las que recorrían el país. Son ejemplo de esto bandas como Sonic Youth y The Replacements.
Unos de los considerados fundadores del rock alternativo, REM, habían estado de gira desde el 5 de abril de 1980 hasta finales de 1989, sin parar. Al acabar, el guitarrista Peter Buck deja su guitarra, diciendo que se había cansado de ella, y comienza a tocar la mandolina para la canción Losing My Religion, que les dio fama mundial.
A Nirvana le ocurrió algo parecido, con la canción de Cobain About a Girl. No estaba seguro de querer incluirla en el álbum, porque le sonaba muy pop. Otra inspiración para su nuevo sonido fue el hecho de que dedicaban media hora al iniciar sus ensayos a improvisar la música, en el que experimentaron el contraste entre música suave y fuerte, guitarras duras y armonías. Eso le agrado a Cobain, decía que sonaban a una mezcla de Black Sabbath y The Beatles. Nirvana había creado un sonido que mezcla la furia del grunge con una nueva idea de la melodía y el atractivo comercial de la masa REM, lo que lleva a lo que se convertiría en himno del rock alternativo, "Smells Like Teen Spirit". Hubo algunas reservas acerca de la canción, porque sonaba parecida a un riff de The Pixies, una banda que venía desempeñando exactamente esa dinámica combinación de fuerte y suave. Gracias al éxito de Nirvana, REM y Mudhoney, el rock alternativo registró montones de empresas que se agenciaron el suceso de bandas como Soundgarden, Smashing Pumpkins, Alice in Chains y Pearl Jam.
Nirvana ubicó a Seattle en el mapa, por lo que REM (procedentes de Atlanta), allí fueron. Incluso se habló de que las bandas realizaran algún trabajo juntas, pero Cobain impidió que el proyecto madurara. Admiraba a REM, porque había logrado llegar adonde estaba sin compromiso, pero ahora el se había convertido en parte de la maquinaria comercial que despreciaba. Aún después de haberse vuelto rico, compraba su ropa en tiendas del ejército de salvación. Los fans sabían esto, y lo esperaban en las tiendas para así imitar la ropa que compraba y usaba.
Algunas personas pueden manejar este tipo de atención, y otras no pueden. Kurt no podía. Bromeaba acerca del nombre de su nuevo disco, diciendo que le gustaría ponerle “me odio y quiero morir” (refiriéndose a In Utero). Cinco meses después del famoso Nirvana MTV Unplugged, en abril de 1994, Kurt Cobain se suicidó de un tiro en la cabeza. En su nota de suicidio se podían leer las palabras de Neil Young: “es mejor incendiarse a consumirse lentamente”. El CD encontrado en su equipo de música, el último que había escuchado, fue Automatic for the People, el último que había salido de REM. La muerte del que había sido el mayor representante del rock alternatico marcó el fin de otra edad del rock.
Origen del Título:Canción de The Replacements, del álbum Tim.
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Brit Rock (Lo Que El Mundo Estaba Esperando)
La escena Indie de Manchester floreció a principios de la década de 1980. Manchester se vio transformado por The Smiths y las letras de Morrisey, su cantante, que narraba un romance épico como parte de la dura crítica de la clase obrera gobernada por Margaret Tatcher. La escena era diversa, y figuraban bandas como The Cocteau Twins, The Jesus and Mary Chain y The Fall. En 1986, The Smiths se había convertido en la banda más establecida de Gran Bretaña, habían acordado un contrato con la IME y empezaban a tocar en los grandes escenarios de Estados Unidos. Sin embargo, todo eso trajo sus propias presiones a la banda, que acabó separándose en el verano de 1987.
Esta división coincide con el aumento de la música house y el desarrollo de una nueva ola de bandas Indie, que daban a la música “un toque psicodélico”. The Stone Roses juntaron lo Indie, lo house y el sentimiento de costa oeste psicodélica, con ritmos de vanguardia de música instrumental y cruce con el mundo de la danza. En 1989 tocaron en el Empress Ballroom de Blackpool. Su actuación contribuyó a popularizar la nueva escena, llevando al ojo de la prensa nuevos grupos como Happy Mondays e Inspiral Carpets. Blur se organizó para grabar música al estilo “Madchester”, no era así como ellos deseaban sonar, pero así lo quería su compañía discográfica.
En el verano de 1993, Oasis firmó un contrato con Creation Records, y empezaron a girar por Inglaterra, para así crear fans. Luego se establecieron en Londres. Esa ciudad había reemplazado a Manchester como centro de la movida Indie, principalmente gracias a la influencia de Suede. En ellos había una imagen de glamour y oscuridad, que giraba en torno a la ambigüedad sexual, lo que los declaró dirigentes del britpop.
Blur había lanzado su tercer álbum coincidiendo con el debut de Oasis. Eso creo una escena musical que abarcaba bandas como Pulp o Elastica. En agosto de 1994, Blur y Oasis se sumergieron en una batalla de ventas para llegar al número uno de Inglaterra. Blur llegó por sus sencillos, pero la salida del segundo álbum de Oasis (What's the Story) Morning Glory los eclipsó completamente. Fue uno de los álbumes de mayor venta de todos los tiempos, lo que lanzó a Oasis a la masividad, a ser “la voz de una generación”. Llenaban estadios de fútbol, y pronto les fue difícil encontrar lugares cerrados para tocar donde entrara todos sus fans. A principios de 1996 empezaron a organizar en Knebworth Park un gran festival, que se llevó a cabo en agosto de ese año. Hubo 3.700.000 pedidos de entradas, y se vendieron 125.000 para cada noche, lo que quiere decir de uno de cada 20 ingleses pidieron entradas para ese concierto.
Sin embargo, eso fue tan lejos como la música Indie podía llegar, ya que muchos pensaron que eso no era Indie, siendo tan masivo. Simplemente se convirtió en un término general para el sonido del rock británico impulsado por el mercado de perseguir bandas con “registro insípido”; una serie de bandas que consiguieron el éxito después de la salida del segundo álbum de Oasis, entre las que se incluyen Travis, Embrace, The Verve, Coldplay y Stereophonics.
The Libertines intentó llevar la música Indie de vuelta al centro de la tierra. Como The Smiths antes que ellos, se centraron en hacer conciertos que facilitaran el contacto ente la audiencia y los artistas. También fueron pioneros en usar el Internet para acercarse a fans. Sin embargo, el cantante Pete Doherty estaba totalmente hundido en las drogas, fuera de control, lo que creó tensiones en la banda, y finalmente se separaron en 2005. Pero al irse dejaron influenciadas a varias bandas de éxito, como Kaiser Chiefs, Franz Ferdinand y Arctic Monkeys.
Origen del Título: Fools Gold/What the World Is Waiting For|What the World Is Waiting For, canción de The Stone Roses, del álbum Fools Gold/What The World Is Waiting For.
La escena Indie de Manchester floreció a principios de la década de 1980. Manchester se vio transformado por The Smiths y las letras de Morrisey, su cantante, que narraba un romance épico como parte de la dura crítica de la clase obrera gobernada por Margaret Tatcher. La escena era diversa, y figuraban bandas como The Cocteau Twins, The Jesus and Mary Chain y The Fall. En 1986, The Smiths se había convertido en la banda más establecida de Gran Bretaña, habían acordado un contrato con la IME y empezaban a tocar en los grandes escenarios de Estados Unidos. Sin embargo, todo eso trajo sus propias presiones a la banda, que acabó separándose en el verano de 1987.
Esta división coincide con el aumento de la música house y el desarrollo de una nueva ola de bandas Indie, que daban a la música “un toque psicodélico”. The Stone Roses juntaron lo Indie, lo house y el sentimiento de costa oeste psicodélica, con ritmos de vanguardia de música instrumental y cruce con el mundo de la danza. En 1989 tocaron en el Empress Ballroom de Blackpool. Su actuación contribuyó a popularizar la nueva escena, llevando al ojo de la prensa nuevos grupos como Happy Mondays e Inspiral Carpets. Blur se organizó para grabar música al estilo “Madchester”, no era así como ellos deseaban sonar, pero así lo quería su compañía discográfica.
En el verano de 1993, Oasis firmó un contrato con Creation Records, y empezaron a girar por Inglaterra, para así crear fans. Luego se establecieron en Londres. Esa ciudad había reemplazado a Manchester como centro de la movida Indie, principalmente gracias a la influencia de Suede. En ellos había una imagen de glamour y oscuridad, que giraba en torno a la ambigüedad sexual, lo que los declaró dirigentes del britpop.
Blur había lanzado su tercer álbum coincidiendo con el debut de Oasis. Eso creo una escena musical que abarcaba bandas como Pulp o Elastica. En agosto de 1994, Blur y Oasis se sumergieron en una batalla de ventas para llegar al número uno de Inglaterra. Blur llegó por sus sencillos, pero la salida del segundo álbum de Oasis (What's the Story) Morning Glory los eclipsó completamente. Fue uno de los álbumes de mayor venta de todos los tiempos, lo que lanzó a Oasis a la masividad, a ser “la voz de una generación”. Llenaban estadios de fútbol, y pronto les fue difícil encontrar lugares cerrados para tocar donde entrara todos sus fans. A principios de 1996 empezaron a organizar en Knebworth Park un gran festival, que se llevó a cabo en agosto de ese año. Hubo 3.700.000 pedidos de entradas, y se vendieron 125.000 para cada noche, lo que quiere decir de uno de cada 20 ingleses pidieron entradas para ese concierto.
Sin embargo, eso fue tan lejos como la música Indie podía llegar, ya que muchos pensaron que eso no era Indie, siendo tan masivo. Simplemente se convirtió en un término general para el sonido del rock británico impulsado por el mercado de perseguir bandas con “registro insípido”; una serie de bandas que consiguieron el éxito después de la salida del segundo álbum de Oasis, entre las que se incluyen Travis, Embrace, The Verve, Coldplay y Stereophonics.
The Libertines intentó llevar la música Indie de vuelta al centro de la tierra. Como The Smiths antes que ellos, se centraron en hacer conciertos que facilitaran el contacto ente la audiencia y los artistas. También fueron pioneros en usar el Internet para acercarse a fans. Sin embargo, el cantante Pete Doherty estaba totalmente hundido en las drogas, fuera de control, lo que creó tensiones en la banda, y finalmente se separaron en 2005. Pero al irse dejaron influenciadas a varias bandas de éxito, como Kaiser Chiefs, Franz Ferdinand y Arctic Monkeys.
Origen del Título: Fools Gold/What the World Is Waiting For|What the World Is Waiting For, canción de The Stone Roses, del álbum Fools Gold/What The World Is Waiting For.
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